37 segundos: Momentos que cambian toda una vida

Por Leonardo Crespo

37 segundos es una película japonesa de 2019, que a partir de este año ha sido distribuida a través de Netflix fuera de Japón.

Ésta película, ganadora del Premio de la Audiencia en la 69° edición del Festival de Cine de Berlín, nos cuenta la historia de Yuma, una mujer de 23 años, dibujante de manga, que tiene  una madre sobreprotectora y un trabajo en el que se aprovechan de su talento sin darle crédito, todo por padecer parálisis cerebral.

El primer gran logro de esta película está en la actriz Mei Kayama y su interpretación de Yuma. Al ser una persona que auténticamente tiene parálisis cerebral, se celebra la producción de historias que nos relaten como es la realidad para personas con esos problemas. Que además es imposible no hacer la comparación; qué diferente es tener alguna incapacidad motriz en Japón, a tenerla en México.

El segundo gran logro de la película es que no es en lo más mínimo predecible, ni vende un sentimentalismo barato. Yuma, cansada de ser anulada en su trabajo, decide buscar otras vías para darse a conocer, y termina acercándose a un elemento completamente inesperado. Después de hacer una llamada, se pone de acuerdo con la directora de una revista pornográfica para presentarle su trabajo.

Al día siguiente, ella va a la revista y se encuentra con la directora. Ella al ver su trabajo, reconoce su talento. Sin embargo, la directora se da cuenta de que Yuma no tiene experiencia en los temas sexuales, y le sugiere que regrese cuando haya obtenido alguna experiencia, ya que su historia tiene buena trama, buenos dibujos, pero no es creíble en las escenas de sexo, que es lo que ellos venden.

Esta petición por parte de la directora de la revista lleva a Yuma embarcarse en una aventura de autodescubrimiento, que va mucho más allá de lo sexual.  A partir de ese momento, podemos ver cómo una mujer tímida, sin experiencia y con ánimo por encontrarse a sí misma, va conociendo personajes que le hacen sentir seguridad pese a su situación.

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Gracias a estos personajes, una prostituta, un paralítico y un chofer, Yuma poco a poco empieza a perseguir sus sueños de independencia, de búsqueda de reconocimiento hacia su talento, de ese sentimiento de igualdad y de capacidad que, no su condición, pero sí su madre, le coartaban en un intento válido, pero egoísta, de ayudarla.

37 segundos es una película que nos permite tener en perspectiva las limitaciones de quienes padecen algún tipo de impedimento físico,  que busca motivarnos a través de nunca dejar de aceptarnos a nosotros mismos, para no dejar de aprovechar nuestros talentos y perseguir la autorrealización.

Malèna

Por Leonardo Crespo

Malèna, coescrita y dirigida por Giuseppe Tornatore, nos cuenta la historia de Renato Amoroso, un adolescente siciliano que descubre su sexualidad a principios de la Segunda Guerra Mundial, a partir de las constantes fantasías que tiene con el personaje que da nombre a la película, interpretada por Monica Bellucci.

La película, fuertemente criticada en Estados Unidos  al momento de su estreno, es una pintura detallada; realismo del más puro y sincero que se puede retratar con respecto a todo lo que la envuelve. Es precisamente ese detalle y realismo lo que la volvió objeto de las críticas.

Se le acusa de ser una película que sobresexualiza la adolescencia, pero al parecer las personas han olvidado de qué se trata la adolescencia en sí. Y es algo que nos pasa constantemente a los adultos con respecto a la niñez y la adolescencia; olvidamos que nosotros transitamos por ese sendero también.

Renato, joven, inexperto, curioso e incluso inocente, se une a una pandilla de estudiantes que día a día se reúnen para observar y perseguir por la ciudad a una mujer tan bella y tan ensimismada, que el pueblo entero murmura a sus espaldas.

Todos los hombres le chiflan, todas las mujeres la odian. El pequeño pueblo siciliano, cada vez más preocupado por el avanzar de la guerra, no desaprovecha cada aparición de Malèna para inventarle rumores y desprestigiar su persona.

Rumores que se maximizan con el deceso de su esposo.

Es en el momento en el que se enteran de dicho suceso, que la película da rienda auténtica a los problemas de Renato, quien cada vez está más obsesionado con ella; al grado de escapar cada noche de su casa con tal de ir a espiarla.

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Sus escapes lo llevan a presenciar todos los abusos de los que es víctima Malèna. Los hombres del pueblo, conocedores de las necesidades económicas de la viuda, abusan constantemente de ella, y Renato, inválido por su edad y su cobardía, es simple testigo del sufrimiento de Malèna.

La película nos lleva a lugares terribles de la realidad, que hoy en día siguen sucediendo. Nos muestra los peligros de los rumores, la hipocrecía de aquellos que nos rodean, la malicia de los que tienen poder, la indiferencia ante el sufrimiento y la crueldad de aquellos que se sienten inferiores.

Malèna es una película de época, que debe de ser apreciada por la posibilidad de diálogo que nos deja al final de verla, cuya sensibilidad y  honestidad ante la tragedia nos permite vernos a nosotros mismos.

Lagunero filma "Mi Roma", documental corto sobre su vida en Torreón

04 de enero 2019, Torreón.

Miguel A. Márquez, director lagunero, ha publicado en su página personal de Facebook, un documental corto que sigue la pauta del multipremiado filme del director mexicano Alfonso Cuarón, Roma, bajo un casi homónimo: Mi Roma: Una Carta de Amor a Torreón, Coahuila.

"...es un documento personal sobre la influencia y el detonante de recuerdos y sentimientos que desata ROMA Película de Alfonso Cuarón en mi persona, y me inspira a contar algo sobre la historia del lugar donde nací y crecí. Llevo 20 años fuera de Torreón, y jamás había sentido tanto amor", escribe el director del cortometraje.

La obra es un video de casi 12 minutos, dirigido, como se ha dicho, por Miguel A. Márquez y producido por Abraham Márquez y Martha Meléndez; proyecta la vida del director relatada en primera persona bajo la voz de Miguel.

En el transcurso del documental vemos lugares icónicos de Torreón, Coahuila, como el Mercado Alianza, la colonia Moderna, la Plaza de Toros, el Coliseo Laguna, entre otros.

Tamara y la Catarina, soledad y el compañerismo en la Ciudad de México

La difícil realidad de los barrios bajos de la Ciudad de México resguarda en la nueva película de Lucía Carreras, Tamara y la Catarina, la historia de dos mujeres que se enfrentan a la soledad, la invisibilidad y la necesidad de salir de sus problemas en un ambiente plagado por ellos.

La coproducción entre México y España, a través de la productora andaluza CADA FILMS, se centra en Tamara –interpretada por Ángeles Cruz–, una mujer de casi 40 años con discapacidad mental y con un hermano ausente, que un día recoge a una niña, a la que decide llamar Catarina, de un puesto de periódicos y no recuerda cuál ni dónde.

A partir de este incidente, Doña Meche –interpretada por Angelina Peláez–, una mujer de 60 años vendedora de quesadillas callejeras y con hijos que se desentendieron de ella al irse a los Estados Unidos, formará estrecha relación con Tamara, mientras que intentan descubrir el modo de llevar a Catarina con sus verdaderos padres.

La película pertenece al movimiento del naturalismo, por lo que la música es la gran ausente durante los aproximados 107 minutos que dura el largometraje a favor de los sonidos ambientales, y aunque no fue concebida como una obra de crítica social –a diferencia de, por ejemplo, la obra maestra Los Olvidados (1950), de Luis Buñuel– la misma se integra en la historia cuando el trío de mujeres se enfrentan a una policía corrupta, una burocracia ineficiente y los prejuicios sociales en su travesía por arreglar el error cometido.

            En entrevista con Red es Poder, Ángeles Cruz, originaria de la Villa de Guadalupe Victoria, una comunidad de 800 personas cerca de la Heroica Ciudad de Tlaxiaco, Oaxaca, y de madre torreonense, habló sobre lo mayores dificultades de interpretar a su personaje, especialmente en la parte psicomotora y psicológica.

“Quería que no fuera algo impuesto, sino que surgiera desde adentro y las cuestiones emotivas. Lo quise hacer con mucho respeto, me preparé con mucho tiempo de anticipación y creo que lo más difícil era eso, que no me pasara y no tuviera miedo de ser Tamara”, declaró.

Comentó también sobre la situación de carencia que viven Tamara y Doña Meche: “Yo creo que son seres invisibles, seres que no volteamos a ver nunca, que transitan a nuestro lado y que nunca nos preguntamos cómo es su vida. Yo, cuando llegué, fue ver eso –la colonia de Tamara está en Naucalpan–, y fue rodearme de esa invisibilidad también. Llevé en la preparación del personaje a Tamara a espacios públicos y yo sentía el rechazo y esta opresión que sentía Tamara, y traté de llevarlo en ese sentido”.

Cruz hizo a su vez una reflexión sobre el cine mexicano de hoy en día, sus retos, posibilidades y obstáculos en un mercado acostumbrado a las producciones estadounidenses o las comedias románticas: “Yo creo que caben todas las historias, y que caben el cine como entretenimiento y el cine como reflexión. Yo prefiero este tipo de cine, prefiero totalmente un cine que me descoloque y que me enseñe lo que estamos pasando en este país devastado por muchas cosas”.

“Creo que habría que revisar qué pasa con el cine y qué pasa con quién elige el cine que se está haciendo en este país y qué estamos contando. Yo le apuesto totalmente a historias que te conmuevan, que te hagan reflexionar, que te enojen, pero que lleven algo, el cine es muy poderoso y las historias que contamos dicen mucho de lo que somos como país y como cultura”, puntualizó.

¿Algunas palabras para los aspirantes a actores, directores, cineastas en Coahuila?

Todo es posible, nadie te puede decir que no puedes. Eso para mí es determinante, de verdad; vengo de una comunidad que queda a nueve horas de carretera de la Ciudad de México y creo que si algo me enseñaron mis padres es eso, a respetar tus sueños y a luchar por ellos. Todo es posible. Si sueñas con ser director, con ser actor, con ser escritor, guionista, para eso están los sueños: para lograrlos. Todos tenemos la capacidad, y sólo el trabajo es el que nos construye.

La película se estrenó el 14 de septiembre en la Cineteca Nacional como parte del circuito Talento Emergente 2018. Tendrá funciones hasta el primero de octubre, y a partir de ahí recorrerá otras sedes.

Además de Cruz y Peláez, el film cuenta con las actuaciones de Harold Torres, Alberto Trujillo y Gustazo Sánchez Parra.

Alfonso Cuarón gana el León de Oro de Venecia por su película "Roma"

El cineasta mexicano Alfonso Cuarón, ganador del Óscar en 2013 por su película Gravity, fue condecorado con el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia por su película "Roma", la historia de una criada indígena que trabaja para una familia burguesa en la Colonia Roma de la Ciudad de México en los años 70.

El también director de cintas como Harry Potter y el Prionero de Askabán o Los Niños del Hombre, mencionó que la historia está basada en la nana que él tuvo cuando era niño, por lo que el filme se lo dedicó a ella. Además, durante su discurso al recibir el premio, comentó entre risas que precisamente hoy es su cumpleaños y que la mejor manera de homenajearlo es dedicándole el premio.

La cinta, que será distribuida a través de Netflix y que verá su estreno en España a finales de año, fue grabada en formato blanco y negro y narra la relación de Cleo (la protagonista) y sus patrones, quienes, como pocas familias del país, gozan de una vida económica estable y sin contratiempos.

"Por las casualidades de la vida, hoy es el cumpleaños de Libo, el personaje en el que está basado el de Cleo (Aparicio). Es su regalo de cumpleaños", dijo Cuarón en inglés, antes de pasarse al español. "Te cantaría las mañanitas pero no voy a ofender los oídos de toda esta gente", mencionó al recibir el galardón.

https://www.youtube.com/watch?v=ZSI2VLwPFWw&feature=youtu.be

La forma del agua es censurada en cines chinos

La multipremiada "Forma del Agua" del mexicano, Guillermo del Toro, a penas fue estrenada en los cines de China pero son una característica principal; los desnudos fueron sustituidos con vestidos superpuestos de manera digitalizada.

La ganadora de los premios óscar a mejor película, mejor director, mejor banda sonora y mejor diseño de producción fue sometida a la rigurosa censura que aplica el gobierno Chino a los contenidos. Esto porque en el país oriental aún no se clasifican las películas por edades, sino que la censura es generalizada.

Además de los desnudos, en la película también evitaron que se contemplaran de forma clara las escenas sexuales, acciones que, según algunos prestigiosos directores de aquel país, influyen en la trama de la película.

La forma del agua llegó a los cines chinos a penas el pasado viernes, y se unió a una pequeña lista de filmes extranjeros que pudieron entrar a aquel mercado, ya que las políticas indican que es preferible promover, consumir y difundir. el talento local.

 

 

3 torreonenses reconocidos por su trabajo cinematográfico

Hoy son los Óscares, el festival más grande que celebra el arte de la cinematografía. ¿Dónde está parado Torreón respecto a este campo del arte? Te mostramos tres de los torreonenses más reconocidos a nivel internacional.

  1. Mario Cepeda Rubio. Ingeniero en electronicas y comunicaciones, graduado del Instituto Tecnológico de la Laguna. Maestro en ciencias y doctorado en bioelectrónica del Cinvestav y tiene un post doctorado en inteligencia artificial en medicina de la Universidad del Estado de California. Los siguientes son algunos de sus trabajos como cineasta.
    • (2013) Bullying, Acoso Escolar. Cortometraje.
    • (2014) Bulmaro Valdez Anaya, energía y creación. Documental.
    • (2015) Eyes Closed. Cortometraje.
  2. José Luis Saturno. Escritor, director y productor. Graduado de la Université Concordia en Montreal Canadá. Ha estado en 60 festivales y más de 20 países presentando sus obras.
    • (2007) Llueve Metano. Cortometraje.
    • (2011) El mimo y la mariposa negra. Cortometraje.
    • (2015) La Sagrada Solución. Costometraje.
    • (2016) Ceci n'est pas une animation. Cortometraje.
  3. Adolfo Franco. Egresado del Tecnológico de Monterrey de la carrera de comunicación, estudió un curso en Dirección Cinematográfica en New York Film Academy en Los Ángeles. Es productor, director y escritor de cine ganador de varios premios de creación fílmica. Además, es co fundador y gerente general del proyecto causas.org, la más grande red social con causa cívica en México, con más de 200 mil programas sin lucro e independientes. El proyecto ha lanzado varios programas con fomento al cine y a la cultura de este.
    • (2003) Mañana, sí. Cortometraje.
    • (2004) Un diluvio.
    • (2004) Colosio: Testimonios de vida. Documental.
    • (2005) La sombra del sahuaro.
    • (2008) Verano 79. Cortometraje.
    • (2008) Vroom!-Vroom!. Cortometraje.
    • (2008) La gordiranfla. Cortometraje
    • (2008) En pos de Dios. Cortometraje.
    • (2009) El juego perfecto. Cortometraje.
    • (2009) Con los pies en el cielo. Documental.
    • (2010) A step from heaven.
    • (2014) For those about to rock: the story of Rodrigo y Gabriela. Documental.
    • (2014) Cantinflas. Película.

Primer director transgénero nominado al Óscar

24 de enero 2018, Estados Unidos.

Yance Ford es un director de cine que acaba de ganarse la nominación a Mejor Documental el martes pasado por la obra Strong Island.

Yance Ford ganó el Special Jury Award for Storytelling en 2017 en el Festival de Cine de Sundance. Yance estuvo en el programa del Instituto de Documentales de Sundance; es miembro de la Colonia MacDowell, un instituto de instrucción creativa hacia las artes en Peterborough, New Hampshire; y beneficiario del Creative Capital Award. También ha sido productor de series POV, o series de televisión para documentales independientes. Es graduado de la universidad de Hamilton y del Taller de Producción en Third World Newsreel. En 2011 fue nombrado una de las "25 caras nuevas del cine independiente" en la revista Filmmaker.

"Hay algo diferente en Strong Island, un filme caracterizado por emociones crudas y una ira suave, que seguramente le hará ser considerado uno de los mejores documentales del 2017", diría Charlie Phillips de The Guardian en su crítica de cinco estrellas hacia la película de Ford.

En el documental, Yance Ford centra la historia en la muerte de su hermano, William, quien habrá sido asesinado a tiros en un taller para autos en 1992 por un joven blanco de 19 años quien asegura que fue en defensa propia. El jurado, blanco, no presentaría cargos hacia el joven.

Veinticinco años después, Yance presenta el filme con tal de darle importancia a los fallos sistemáticos que puede tener el sistema de justicia.

"Hay muy poca diferencia entre lo que se dice de las víctimas que están desarmadas hoy y que son asesinadas por personas altamente armadas, y lo que se dijo de mi hermano hace 25 años", dijo Ford para NBC New York.

Yance es el primer hombre transgénero que ha sido nominado para el premio de la Academia e, incluso, el primero que se manifestó abiertamente.

Adivina la película

Una obra simétrica del 2012, dirigida por el raro de Wes Anderson y escrita por él y su co-escritor Roman Coppola, quienes ponen, extrañamente, a sus dos protagonistas, niños de 12 años, a tocarse sus partes íntimas y a besarse en sus bocas y en sus lenguas con tal de enfatizar el amor inocente y curioso de la casi adolescencia.

Anderson estructura una historia cotidiana, un escándalo de pueblo tan común que seguro sucede en un país cuál sea, y la presenta de una manera que a mí me parece interesante, tomas hermosas, acentúa la simetría para adornar obsesivamente la historia. Por supuesto que no conozco a Anderson pero puedo imaginar la meticulosidad con la que organiza su película, los colores, las medidas, los vestuarios, pareciera que es tan toc que no puede haber un detalle fuera lugar o la cinta perdería sentido. Siendo o no así el director, eso me hace pensar Moonrise Kingdom. Y me parece que así son los personajes también, estructurados, precisos, como si cada diálogo estuviera planeado diez líneas antes.

Es un buen filme, a mis alumnos que tuve por dos semanas cuando fui sustituto de maestro les pareció aburrida en algunas artes, quizá sí puede ser tediosa; algunas veces noté a los personajes un poco grises, puedo pensar algunas escenas que podrían removerse y eso que no es Blade Runner o el Señor de los Anillos; ésta apenas dura hora y cuarenta, por ahí.

En mi opinión no es “la” película de Wes Anderson, pero sigue siendo una buena obra, divertida, de humor curioso, muy artística y con una visión encantadora del amor inocente.

Adivina la película

Casey Affleck, envuelto en un torbellino de críticas por su estilo de vida, su actitud desparpajada y su poco respeto hacia las mujeres, se encumbró como el mejor actor del año pasado después de representar a Lee Chandler en la depresiva Manchester by the sea.

Repentinamente, el hermano de Lee, Joe Chandler, fallece y deja a su hijo Patrick huérfano, por lo que el personaje de Affleck asume la tutoría legal de su sobrino a pesar del equipaje que trae en su espalda, que es la carga emotiva y desgarradora de la película.

Los saltos en el tiempo en la historia son constantes, la narración va del presente al pasado sin anunciar los giros. Es durante esos viajes al pasado que el espectador se da cuenta de por qué Lee Chandler tiene una personalidad gris, depresiva, lúgubre y deprimente. Es ahí donde el director de la película deja entrever que no importa qué tan buena o estable sea tu vida, un acontecimiento, una negligencia o un sólo mísero error, puede cambiar dramáticamente el destino de toda una familia y la reputación de una persona en una comunidad.

También, en la misma cinta, noto una crítica por parte del director hacia las pequeñas comunidades en Estados Unidos que, a partir de una tragedia que pudo haber sido evitada; discriminan, desprecian, pisotean y marchitan la vida de una persona que, a partir de su propia experiencia, ya no necesitaría el odio y el escupitajo de la sociedad.

Los juicios morales, la poca capacidad de perdonar, el señalamiento y la burla son parte fundamental en el comportamiento de los estadounidenses y esto lo hace notar el director y el guionista en la película.

También debo mencionar que, si no son amantes de las película lentas y detalladas, entonces no le hagan a esta recomendación, ya que la historia va creciendo poco a poco mientras se van desanudando todos los vértices que explican la personalidad y las vivencias de cada uno de los protagonistas.

Esta película la vi durante un largo regreso en autobús de la Ciudad de México hacia Torreón y, créanme, fue un gran bálsamo para aminorar el largo trayecto que estuvo aderezado con tráfico lento y una calefacción abrasiva que te invitaba a visitar el infierno.

Manchester by the sea, en la pasada entrega de los premios óscar, fue nominada a mejor película, mejor director, mejor guión original, que ganó Kenneth Lonergan, mejor actor, que también ganó Casey Affleck, mejor actor de reparto y mejor actriz de reparto.

La película, en sí, invita a la reflexión y pone sobre la mesa el tema del perdón y la auto redención. ¿Qué harían si, por culpa de un error suyo, mueren sus dos hijos y pierden todo su patrimonio?

La historia explora y se hunde en la depresión y en el alcoholismo de Lee Chandler mientras, por otra parte, expone la posibilidad de redención con Patrick, el sobrino de Lee que queda huérfano tras la muerte de su padre, hermano del propio Lee Chandler.

Hoy, que es día de descanso y de cruda, anímense a ver esta película y analicen si, en su vida, existe algo que aún no se han perdonado. Quizá, encontrando la respuesta, podrían ayudar a Lee Chandler a entender que por más duro que sea el presente, siempre habrá un motivo para salir adelante.